Linear na pananaw sa pagpipinta. Mga pangunahing lihim
Nilalaman:
Ang karamihan sa mga painting at fresco sa nakalipas na 500 taon ay nilikha ayon sa mga patakaran ng linear na pananaw. Siya ang tumutulong na gawing 2D na imahe ang 3D space. Ito ang pangunahing pamamaraan kung saan nilikha ng mga artista ang ilusyon ng lalim. Ngunit malayo sa dati, sinunod ng mga master ang lahat ng mga patakaran ng pagbuo ng pananaw.
Tingnan natin ang ilang obra maestra at tingnan kung paano gumawa ng espasyo ang mga artist sa pamamagitan ng linear na pananaw sa iba't ibang panahon. At bakit minsan nilalabag nila ang ilan sa kanyang mga alituntunin.
Leonardo da Vinci. Ang huling Hapunan
Sa panahon ng Renaissance, nabuo ang mga prinsipyo ng direktang linear na pananaw. Kung bago iyon ang mga artista ay nagtayo ng espasyo nang intuitively, sa pamamagitan ng mata, pagkatapos ay noong ika-XNUMX siglo natutunan nila kung paano ito binuo nang tumpak sa matematika.
Si Leonardo da Vinci sa pagtatapos ng ika-XNUMX siglo ay alam na alam kung paano bumuo ng espasyo sa isang eroplano. Sa kanyang fresco na "The Last Supper" ay makikita natin ito. Ang mga linya ng pananaw ay madaling iguhit sa mga linya ng kisame at mga kurtina. Kumonekta sila sa isang nawawalang punto. Sa parehong punto ay dumadaan ang linya ng abot-tanaw, o ang linya ng mga mata.
Kapag ang tunay na abot-tanaw ay itinatanghal sa larawan, ang linya ng mga mata ay dumadaan lamang sa junction ng langit at lupa. Kasabay nito, ito ay madalas na nasa lugar ng mga mukha ng mga character. Ang lahat ng ito ay napapansin natin sa fresco ni Leonardo.
Ang nawawalang punto ay nasa lugar ng mukha ni Kristo. At ang linya ng abot-tanaw ay dumadaan sa kanyang mga mata, gayundin sa mga mata ng ilan sa mga apostol.
Ito ay isang textbook na pagtatayo ng espasyo, na binuo ayon sa mga patakaran ng DIRECT linear na pananaw.
At ang espasyong ito ay nakasentro. Ang linya ng abot-tanaw at ang patayong linya na dumadaan sa nawawalang punto ay hatiin ang espasyo sa 4 na pantay na bahagi! Ang pagtatayo na ito ay sumasalamin sa pananaw sa mundo ng panahong iyon na may matinding pagnanais para sa pagkakaisa at balanse.
Sa dakong huli, ang naturang konstruksiyon ay magaganap nang mas kaunti at mas kaunti. Para sa mga artista, ito ay tila napakasimpleng solusyon. Sila bhipan at ilipat ang patayong linya na may nawawalang punto. At itaas o ibaba ang abot-tanaw.
Kahit na kumuha tayo ng isang kopya ng gawain ni Raphael Morgen, na nilikha sa pagliko ng ika-XNUMX-XNUMX na siglo, makikita natin na hindi niya ... makayanan ang gayong sentrisidad at inilipat ang linya ng abot-tanaw nang mas mataas!
Ngunit sa oras na iyon, ang pagbuo ng isang espasyo tulad ng kay Leonardo ay isang hindi kapani-paniwalang tagumpay sa pagpipinta. Kapag ang lahat ay na-verify nang tumpak at perpekto.
Kaya tingnan natin kung paano inilarawan ang espasyo bago si Leonardo. At bakit parang espesyal ang kanyang "Last Supper".
antigong fresco
Intuitive na inilalarawan ng mga sinaunang artista ang espasyo, gamit ang tinatawag na observational perspective. Iyon ang dahilan kung bakit nakikita natin ang mga halatang pagkakamali. Kung gumuhit tayo ng mga linya ng pananaw sa mga harapan at ibabaw, makakakita tayo ng kasing dami ng tatlong nawawalang punto at tatlong linya ng horizon.
Sa isip, ang lahat ng mga linya ay dapat magtagpo sa isang punto, na matatagpuan sa parehong linya ng horizon. Ngunit dahil ang espasyo ay binuo nang intuitively, nang hindi nalalaman ang matematikal na batayan, naging ganoon lang.
Pero hindi mo masasabing masakit sa mata. Ang katotohanan ay ang lahat ng nawawalang punto ay nasa parehong patayong linya. Ang imahe ay simetriko, at ang mga elemento ay halos pareho sa magkabilang panig ng patayo. Ito ang dahilan kung bakit balanse at aesthetically maganda ang isang fresco.
Sa katunayan, ang gayong imahe ng espasyo ay mas malapit sa natural na pang-unawa. Pagkatapos ng lahat, mahirap isipin na ang isang tao ay maaaring tumingin sa cityscape mula sa isang punto, nakatayo pa rin. Sa ganitong paraan lamang natin makikita kung ano ang iniaalok sa atin ng mathematical linear perspective.
Pagkatapos ng lahat, maaari mong tingnan ang parehong tanawin alinman sa nakatayo, o nakaupo, o mula sa balkonahe ng bahay. At pagkatapos ay ang linya ng abot-tanaw ay alinman sa mas mababa o mas mataas ... Ito ang aming naobserbahan sa isang antigong fresco.
Ngunit sa pagitan ng antigong fresco at Huling Hapunan ni Leonardo ay may isang malaking layer ng sining. Iconography.
Ang espasyo sa mga icon ay inilarawan sa ibang paraan. Iminumungkahi kong tingnan ang "Holy Trinity" ni Rublev.
Andrei Rublev. Ang Banal na Trinidad.
Sa pagtingin sa icon ni Rublev na "Holy Trinity", agad naming napansin ang isang tampok. Ang mga bagay sa harapan nito ay malinaw na HINDI iginuhit ayon sa mga patakaran ng direktang linear na pananaw.
Kung gumuhit ka ng mga linya ng pananaw sa kaliwang footstool, magkokonekta ang mga ito nang higit pa sa icon. Ito ang tinatawag na REVERSE linear perspective. Kapag ang malayong bahagi ng bagay ay mas malawak kaysa sa mas malapit sa tumitingin.
Ngunit ang mga linya ng pananaw ng kinatatayuan sa kanan ay hindi kailanman magsasalubong: sila ay parallel sa isa't isa. Ito ay isang AXONOMETRIC na linear na pananaw, kapag ang mga bagay, lalo na hindi masyadong pinahaba sa lalim, ay inilalarawan na may mga gilid na parallel sa isa't isa.
Bakit inilarawan ni Rublev ang mga bagay sa ganitong paraan?
Ang Academician na si B. V. Raushenbakh noong 80s ng XX century ay pinag-aralan ang mga tampok ng pangitain ng tao at iginuhit ang pansin sa isang tampok. Kapag nakatayo tayo nang napakalapit sa isang bagay, nakikita natin ito sa isang bahagyang baligtad na pananaw, o kung hindi, hindi natin napapansin ang anumang pagbabago sa pananaw. Nangangahulugan ito na ang alinman sa gilid ng bagay na pinakamalapit sa amin ay tila mas maliit kaysa sa malayo, o ang mga gilid nito ay nakikitang pareho. Nalalapat din ang lahat ng ito sa pananaw sa pagmamasid.
Sa pamamagitan ng paraan, ito ang dahilan kung bakit ang mga bata ay madalas na gumuhit ng mga bagay sa reverse perspective. At mas madaling nakikita nila ang mga cartoon na may ganoong espasyo! Nakikita mo: ang mga bagay mula sa mga cartoon ng Sobyet ay inilalarawan sa ganitong paraan.
Intuitively nahulaan ng mga artista ang tungkol sa tampok na ito ng paningin bago pa man matuklasan si Rauschenbach.
Kaya, ang master ng XIX na siglo ay nagtayo ng espasyo, tila, ayon sa lahat ng mga patakaran ng direktang linear na pananaw. Ngunit bigyang-pansin ang bato sa harapan. Ito ay inilalarawan sa isang magaan na reverse perspective!
Ginagamit ng artist ang parehong direkta at baligtad na pananaw sa isang gawa. At sa pangkalahatan, ganoon din ang ginagawa ni Rublev!
Kung ang foreground ng icon ay inilalarawan sa loob ng balangkas ng isang obserbasyonal na pananaw, pagkatapos ay sa background ng icon ang gusali ay inilalarawan ayon sa mga patakaran ng ... direktang pananaw!
Tulad ng sinaunang master, si Rublev ay nagtrabaho nang intuitive. Samakatuwid, mayroong dalawang linya ng mga mata. Tinitingnan namin ang mga haligi at ang pasukan sa portico mula sa parehong antas (linya ng mata 1). Ngunit sa kisame na bahagi ng portico - mula sa isa (linya ng mata 2). Ngunit ito ay isang direktang pananaw.
Ngayon fast forward sa ika-100 siglo. Sa puntong ito, ang linear na pananaw ay pinag-aralan nang mabuti: mahigit XNUMX taon na ang lumipas mula noong panahon ni Leonardo. Tingnan natin kung paano ito ginamit ng mga artista noong panahong iyon.
Jan Vermeer. Aralin sa musika
Malinaw na ang mga artista ng ika-XNUMX siglo ay mahusay na pinagkadalubhasaan ang linear na pananaw.
Tingnan kung paano mas maliit ang kanang bahagi ng pagpipinta ni Jan Vermeer (sa kanan ng vertical axis) kaysa sa kaliwa?
Kung sa Huling Hapunan ni Leonardo ang patayong linya ay eksaktong nasa gitna, kung gayon sa Vermeer ay lumilipat na ito sa kanan. Samakatuwid, ang pananaw ni Leonardo ay maaaring tawaging CENTRAL, at Vermeer's - SIDE.
Dahil sa pagkakaibang ito, sa Vermeer nakikita natin ang dalawang dingding ng silid, sa Leonardo - tatlo.
Sa katunayan, mula noong ika-XNUMX siglo, ang mga lugar ay madalas na inilalarawan sa ganitong paraan, sa tulong ng isang lateral na linear na pananaw. Samakatuwid, ang mga silid o bulwagan ay mukhang mas makatotohanan. Ang sentralidad ni Leonardo ay mas bihira.
Ngunit hindi lamang ito ang pagkakaiba sa pagitan ng mga pananaw ni Leonardo at Vermeer.
Sa The Last Supper, diretso kaming tumingin sa mesa. Walang ibang mga kasangkapan sa silid. At kung may upuan sa gilid, hinagis sa isang anggulo sa amin? Sa katunayan, sa kasong ito, ang mga pangakong linya ay pupunta sa isang lugar na lampas sa fresco ...
Oo, sa anumang silid, ang lahat, bilang panuntunan, ay mas kumplikado kaysa kay Leonardo. Samakatuwid, mayroon ding ANGULAR na pananaw.
Si Leonardo ay mayroon itong puro FRONTAL. Ang tanda nito ay isa lamang nawawalang punto, na matatagpuan sa loob ng larawan. Ang lahat ng mga linya ng pananaw ay nagtatagpo sa loob nito.
Pero sa kwarto ni Vermeer ay may nakita kaming nakatayong upuan. At kung gumuhit ka ng mga promising lines sa kanyang upuan, magkokonekta sila sa isang lugar sa labas ng canvas!
At ngayon bigyang pansin ang sahig sa trabaho ni Vermeer!
Kung gumuhit ka ng mga linya sa mga gilid ng mga parisukat, kung gayon ang mga linya ay magtatagpo ... sa labas din ng larawan. Ang mga linyang ito ay magkakaroon ng sarili nilang mga nawawalang punto. Ngunit! Ang bawat isa sa mga linya ay nasa parehong horizon line.
Kaya, iniuugnay ni Vermeer ang pangharap na pananaw sa angular. At ang upuan ay ipinapakita din sa tulong ng isang angular na pananaw. At ang mga linya ng pananaw nito ay nagtatagpo sa isang nawawalang punto sa isang linya ng horizon. Paano mathematically maganda!
Sa pangkalahatan, gamit ang horizon line at mga nawawalang punto, napakadaling gumuhit ng anumang palapag sa isang hawla. Ito ang tinatawag na perspective grid. Palagi itong lumalabas na napaka-makatotohanan at kamangha-manghang.
At mula sa palapag na ito ay laging madaling maunawaan na ang larawan ay ipininta bago ang panahon ni Leonardo. Dahil hindi alam kung paano bumuo ng isang perspective grid, ang sahig ay palaging tila gumagalaw sa isang lugar. Sa pangkalahatan, hindi masyadong makatotohanan.
Ngayon ay lumipat tayo sa susunod, ang ika-XNUMX siglo.
Jean Antoine Watteau. Signboard ng tindahan ni Gersin.
Noong ika-XNUMX siglo, ang linear na pananaw ay pinagkadalubhasaan sa pagiging perpekto. Ito ay malinaw na nakikita sa halimbawa ng gawa ni Watteau.
Perpektong idinisenyong espasyo. Ang ganitong kasiyahan sa trabaho. Ang lahat ng mga linya ng pananaw ay kumokonekta sa isang nawawalang punto.
Ngunit mayroong isang napaka-kagiliw-giliw na detalye sa larawan ...
Bigyang-pansin ang kahon sa kaliwang sulok. Sa loob nito, naglalagay ang isang manggagawa sa gallery ng larawan para sa bumibili.
Kung gumuhit ka ng mga linya ng pananaw sa dalawang gilid nito, pagkatapos ay magkokonekta sila sa ... ibang linya ng mga mata!
Sa katunayan, ang isang gilid nito ay nasa isang matalim na anggulo, at ang isa ay halos patayo sa linya ng mga mata. Kung nakita mo ito, hindi mo magagawang balewalain ang kakaibang ito.
Kaya bakit napunta ang artist sa isang halatang paglabag sa mga batas ng linear na pananaw?
Mula noong panahon ni Leonardo, kilala na ang linear na pananaw ay maaaring makabuluhang baluktutin ang imahe ng mga bagay sa foreground (kung saan ang mga linya ng pananaw ay napupunta sa nawawalang punto sa isang partikular na matalim na anggulo).
Ito ay madaling makita sa XNUMXth-century drawing na ito.
Ang mga base ng mga haligi sa kanan ay parisukat (na may pantay na panig). Ngunit dahil sa malakas na slope ng mga linya ng perspective grid, nalikha ang ilusyon na sila ay hugis-parihaba! Para sa parehong dahilan, ang mga haligi, bilog sa diameter, sa kaliwa ay lumilitaw na ellipsoidal.
Sa teorya, ang mga bilog na tuktok ng mga haligi sa kaliwa ay dapat ding baluktot at maging ellipsoids. Ngunit inilarawan sila ng artist bilang bilog, gamit ang isang pananaw sa pagmamasid.
Gayundin, lumabag si Watteau sa mga patakaran. Kung ginawa niya ang lahat ng tama, kung gayon ang kahon ay naging masyadong makitid sa likod.
Kaya, bumalik ang mga artista sa pananaw sa pagmamasid at nakatuon sa kung paano magiging mas organiko ang paksa. At sadyang napunta sa ilang mga paglabag sa mga patakaran.
Ngayon lumipat tayo sa ika-XNUMX na siglo. At sa pagkakataong ito, tingnan natin kung paano pinagsama ng Russian artist na si Ilya Repin ang mga linear at observational na pananaw.
Ilya Repin. Hindi naghintay.
Sa unang sulyap, itinayo ng artist ang espasyo ayon sa klasikal na pamamaraan. Tanging ang patayo ay inilipat sa kaliwa. At kung matatandaan, sinubukan ng mga artista pagkatapos ng panahon ni Leonardo na maiwasan ang labis na pagsentro. Sa kasong ito, mas madaling "ilagay" ang mga bayani sa kanang pader.
Tandaan din na ang mga ulo ng dalawang pangunahing tauhan, ang anak at ang ina, ay napupunta sa mga anggulo ng pananaw. Ang mga ito ay nabuo sa pamamagitan ng mga linya ng pananaw na tumatakbo sa mga linya ng kisame hanggang sa nawawalang punto. Binibigyang-diin nito ang espesyal na relasyon at kahit na, maaaring sabihin, ang relasyon ng mga karakter.
At tingnan din kung gaano katalinong nilulutas ni Ilya Repin ang problema ng mga pagbaluktot ng pananaw sa ibaba ng larawan. Sa kanan, naglalagay siya ng mga bilugan na bagay. Kaya, hindi na kailangang mag-imbento ng anuman sa mga sulok, dahil may kinalaman si Watteau sa kanyang kahon.
At gumawa si Repin ng isa pang kawili-wiling hakbang. Kung gumuhit kami ng mga linya ng pananaw sa mga floorboard, nakakakuha kami ng kakaiba!
Hindi sila sasali sa isang pagkawalang punto!
Ang artist ay sadyang pumunta para sa paggamit ng observational perspective. Samakatuwid, ang espasyo ay tila mas kawili-wili, hindi masyadong eskematiko.
At ngayon lumipat tayo sa ika-XNUMX siglo. Sa palagay ko hulaan mo na na ang mga masters ng siglong ito ay hindi partikular na tumayo sa seremonya na may espasyo. Kami ay kumbinsido dito sa pamamagitan ng halimbawa ng gawain ng Matisse.
Henri Matisse. Pulang pagawaan.
Sa unang tingin ay malinaw na inilarawan ni Henri Matisse ang espasyo sa isang espesyal na paraan. Malinaw na umalis siya sa mga canon na nabuo noong Renaissance. Oo, parehong gumawa ng ilang mga kamalian sina Watteau at Repin. Ngunit malinaw na hinabol ni Matisse ang ilang iba pang mga layunin.
Ito ay kaagad na maliwanag na ang Matisse ay nagpapakita ng ilan sa mga bagay sa direktang pananaw (talahanayan), at ang ilan sa kabaligtaran (upuan at dibdib ng mga drawer).
Ngunit ang mga tampok ay hindi nagtatapos doon. Iguhit natin ang mga linya ng pananaw ng mesa, upuan at larawan sa kaliwang dingding.
At pagkatapos ay nakahanap agad kami ng TATLONG abot-tanaw. Ang isa sa kanila ay nasa labas ng larawan. Mayroon ding TATLONG patayo!
Bakit ginagawang kumplikado ni Matisse ang mga bagay?
Pakitandaan na sa una ang upuan ay mukhang kakaiba. As if we are looking at the upper crossbar of his back from the left. At para sa natitirang bahagi - sa kanan. Ngayon tingnan ang mga bagay sa mesa.
Ang ulam ay nakahiga na parang tinitingnan namin ito mula sa itaas. Ang mga lapis ay bahagyang tumagilid. Pero may nakita kaming plorera at baso sa gilid.
Mapapansin natin ang parehong mga kakaiba sa paglalarawan ng mga kuwadro na gawa. Nakatingin sa amin yung mga nakasabit. Tulad ng orasan ng lolo. Ngunit ang mga kuwadro na nakadikit sa dingding ay itinatanghal na medyo patagilid, na para bang tinitingnan namin sila mula sa kanang sulok ng silid.
Mukhang ayaw ni Matisse na i-survey namin ang kwarto mula sa isang lugar, mula sa isang anggulo. Inaakay niya kami sa kwarto!
Kaya pumunta kami sa mesa, yumuko sa ulam at sinuri ito. Naglakad-lakad sa upuan. Tapos pumunta kami sa malayong pader at tinignan yung mga paintings na nakasabit. Pagkatapos ay ibinaba nila ang kanilang tingin sa kaliwa, sa mga gawang nakatayo sa sahig. atbp.
Lumalabas na hindi sinira ni Matisse ang linear na pananaw! Inilarawan lamang niya ang espasyo mula sa iba't ibang anggulo, mula sa iba't ibang taas.
Sumang-ayon, ito ay mesmerizing. Para bang nabuhay ang silid, bumabalot sa amin. At ang pulang kulay dito ay nagpapaganda lamang ng epektong ito. Ang kulay ay tumutulong sa espasyo na maakit tayo...
.
Laging ganyan ang nangyayari. Una, ang mga patakaran ay nilikha. Pagkatapos ay sinimulan nilang sirain ang mga ito. Mahiyain sa una, pagkatapos ay mas matapang. Ngunit ito ay hindi, siyempre, isang wakas sa sarili nito. Nakakatulong ito upang maihatid ang pananaw sa mundo ng kanyang panahon. Para kay Leonardo, ito ang pagnanais para sa balanse at pagkakaisa. At para sa Matisse - kilusan at isang maliwanag na mundo.
Tungkol sa mga lihim ng pagbuo ng espasyo - sa kursong "Diary of an Art Critic".
***
Espesyal na salamat sa tulong sa pagsulat ng artikulo kay Sergey Cherepakhin. Ang kanyang kakayahang harapin ang mga nuances ng mga pagtatayo ng pananaw sa pagpipinta ang nagbigay inspirasyon sa akin upang likhain ang tekstong ito. Naging co-author niya.
Kung interesado ka sa paksa ng linear na pananaw, sumulat kay Sergey (cherepahin.kd@gmail.com). Siya ay magiging masaya na ibahagi ang kanyang mga materyales sa paksang ito (kabilang ang mga pagpipinta na binanggit sa artikulong ito).
***
Kung ang aking istilo ng pagtatanghal ay malapit sa iyo at interesado kang mag-aral ng pagpipinta, maaari akong magpadala sa iyo ng isang libreng serye ng mga aralin sa pamamagitan ng koreo. Upang gawin ito, punan ang isang simpleng form sa link na ito.
Comments ibang mga mambabasa tingnan sa ibaba. Sila ay madalas na isang magandang karagdagan sa isang artikulo. Maaari mo ring ibahagi ang iyong opinyon tungkol sa pagpipinta at artist, pati na rin magtanong sa may-akda.
Online na mga Kurso sa Sining
Angielski bersiyon
***
Mga link sa pagpaparami:
Mag-iwan ng Sagot